Mario Olivetti, el Notario, Miguel Chiclé i el Neng; un gran cuiner, un millor cantant i un humorista objectivament genial. Cinestèsia parla amb Edu Soto per a presentar el seu espectacle al Teatre Talia 'Más vale solo que ciento volando' i repassem la seua carrera televisiva i, pròximament, cinematogràfica.
Cinestèsia: Dius que l'espectacle 'Más vale solo que ciento volando' és de tot menys un monòleg. És improvisació, actuació, música... tot bogeria. Edu Soto: Sí, és un poc el perfil al que se m'associa. És varietat, és "liar-la" una miqueta, i s'allunya d'esta imatge de monòleg on un senyor parla davant d'un micro, sinó que faig moltes coses, diferents personatges: ballo, canto, improviso amb gent del públic, hi ha una miqueta de tot. Com un "espectáculo de variedades". C.: Com és el públic valencià? Com et sents ací? E. S.: Molt bé. Tots els artistes que hem passat per Buenafuente a València som molt estimats. El públic valencià ha vist els nostres inicis a TV3 i això fa que ens sentim molt a gust a la vostra ciutat. Ja hem fet 'Más vale solo que ciento volando' per terres valencianes i es nota moltíssim que el públic té ganes, et té estima, i és sempre un plaer estar tan ben recolzat.
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Tenim el plaer de conversar amb Pascal Gaigne, un dels mestres de la música de cinema, nominat per segona vegada consecutiva als Goya, este any per El olivo, l’any anterior per Loreak. Parlem amb ell de música, de cinema, d’èxits i de fracassos.
Cinestèsia: Comencem a parlar de la seua carrera pel final, per eixe èxit anomenat El olivo. Com va ser treballar junt amb Icíar Bollaín, sabedors que vos coneixeu molt bé per haver compartit molts projectes. Pascal Gaigne: Con Icíar es la cuarta película que hago, nos conocemos muy bien. Ha sido fácil aunque nunca trabajar en el cine es algo sencillo. Tuvimos claro enseguida la función general de la película, por donde iba a ir. El Olivo es una road movie algo especial y la música iba a acompañar ese viaje, los recuerdos de la protagonista. Propusimos diferentes maquetas hasta encontrar el punto correcto, sabiendo que ella buscaba algo que no fuera ni comedia ni drama. Parece simple dicho así pero no lo es. C.: Hi ha alguna peculiaritat a l’hora de treballar la música en les pel·lícules de Bollaín? Quin paper ha de tindre la banda sonora o quan comença la música a introduir-se al film? P. G.: Icíar Bollaín trabaja con la música al final, con el montaje ya realizado. No suele usar mucha música, tiene mucha cautela con la banda sonora musical evitando que invada demasiado su lenguaje cinematográfico particular y personal. Hay que adaptarse a su lenguaje siempre dentro de mi estilo musical. Los directores controlan el resultado final, donde poner la música. Luego se pueden proponer ideas pero al final son ellos los que deciden. Siempre hay posibilidad de cambiar cosas, Icíar es bastante abierta para estas cosas. Gemma Ferraté estrenava la setmana passada la pel·lícula Tots els camins de Déu, la seua òpera prima sobre els tres últims dies d'un Judes del món contemporani, un home que fuig de la seua pròpia culpa després de traïr al seu millor amic. Parlem amb ella sobre este drama produït per 'Niu d'Indi'.
Cinestèsia: El primer de tot, volem saber Gemma com va sorgir la idea de rescatar el personatge de Judes i contar el seu patiment i la seva penitència des d'una visió actual. Tenies interès per aquesta història bíblica? Gemma Ferraté: Tal com apareix al principi de Tots els camins de Déu, el versicle del text original que és la Bíblia, quan explica el moment de la traïció, hi ha una gran el·lipsi. Explica que Judes traeix i al cap de tres dies apareix penjat, just en aquesta el·lipsi era el moment del personatge per fer-lo més humà, i de donar-li una oportunitat de redempció. C.: Per què és tan important el sentiment de culpa per a l'ésser humà? La trama es basa en aquesta penitència, que és acompanyada a l'interior del protagonista per altres estats d'ànim, com l'amor i l'amistat. Creus que tots tenim aquest sentiment que si no alliberem mai, ens pot perseguir sempre? G. F.: La culpa és un dels pitjors sentiments, per no dir el pitjor. És un sentiment autoinflingit i pot arribar a ser insuportable. i és molt interessant com a fet purament cultural d'herència d'una tradició o model educatiu catòlic. Em sembla fascinant com algú que mai ha rebut una educació catòlica, ni un ambient familiar religiós pot tenir molt latent aquest sentiment. Cinestèsia entrevista a l'actor Antonio Bachiller, guanyador de la Bisnaga a millor actor de repartiment a l'últim Festival de Màlaga. El jove madrileny s'estrenava davant de la càmera amb el paper de Luismi, a l'òpera prima de Daniel Guzmán A cambio de nada. Parlem amb ell sobre la seua incursió al cinema, la seua presència a la gala dels Goya i el seu futur. Cinestèsia: Hablemos de A cambio de nada. Hace poco fueron los Premios Goya y gracias a esos dos galardones que obtuvieron el director Daniel Guzmán y tu compañero Miguel Herrán la película volverá a estrenarse. A cambio de nada habrá supuesto un cambio en tu vida, ¿verdad? Antonio Bachiller: Sí, por supuesto que sí. Estoy muy orgulloso de todo lo que está ocurriendo con la película. Ha supuesto un cambio en mi vida sobre todo por el hecho de dedicarme a algo que desde pequeño había querido y no había tenido aún la oportunidad. C.: Habrá gente que te vea en la película y pensará que llevas actuando toda tu vida. Pero hay que decir que no, es tu primera película. A. B.: Es mi primer papel, directamente. C.: Un casting, te eligen a ti y a partir de ahí, ser actor. ¿Te consideras actor Antonio, o crees que es algo que se debe trabajar a través de una trayectoria? A. B.: No me considero actor, tengo aún muchísimo que aprender. Como has dicho es mi primera película, mi primera experiencia. Todavía tengo mucho por delante y hasta que no aprenda las cosas básicas no me puedo considerar actor. Ramon Térmens: "A 'The evil that men do' la violència psicològica és més important que la física"21/2/2016 Escrit per: Pablo PlazaCinestèsia: Ramon Térmens, presentes una pel·lícula sorprenent; una història de càrtels, narcotràfic i violència difícil de vore com a producció espanyola. Com va sorgir la idea? Ramon Térmens: La idea surt de l'espai, una gran nau de Martorelles que tenia la possibilitat de rodar. A partir d'aquí el Daniel Faraldo tenia una història de sicaris de Los Angeles i jo una idea sobre un segrest a una nena. Vam juntar les històries i el Daniel va escriure el guió. C.: Et situes, després de tres films a Catalunya, a l'altra banda de l'Atlàntic i rodant en anglés. Com vas sentir aquest canvi en tots els nivells? T'has sentit alliberat d'alguna manera sortint del país? R. T.: La segona pel·lícula "Negro Buenos Aires" ja passava bona part del metratge a Buenos Aires i vaig poder filmar a Argentina que va ser una gran experiència. Aquí hem situat l'acció a la frontera entre Mèxic i els USA, però he rodat "a casa". Crec que és accidental, cada pel·lícula és un repte diferent i ho visc com una nova "muntanya russa" que hem de pujar. La pròxima pel·lícula està prevista que succeeixi a Barcelona. Escrito por: Pablo Plaza Este viernes se estrenaba Lasa y Zabala, un film dispuesto a sacar a la luz uno de los casos más polémicos y controvertidos del conflicto vasco que tuvo lugar en los años 80 donde el GAL y ETA protagonizaron numerosos enfrentamientos, muchos de ellos con sangre de por medio. Es el caso de José Antonio Lasa y José Ignacio Zabala, dos jóvenes torturados y asesinados por el Grupo Antiterrorista de Liberación, con la colaboración de diferentes miembros de la Guardia Civil. Es el juicio posterior y las dificultades que padecieron los familiares de las víctimas el punto de partida de la última película de Pablo Malo. Cinestesia entrevista al director vasco por su tercera película, habiendo rodado anteriormente Frío Sol de invierno (2004) y La sombra de nadie (2006). Esto es lo que nos ha dicho: Cinestesia: Estrenas Lasa y Zabala, una película basada en hechos reales que se centra en la lucha de una familia por hacer justicia. Cuéntanos cómo fue el acercamiento a este suceso y por qué te decantaste en hacer una película sobre este controvertido asunto.
Pablo Malo: El encargo de la película me llega a través del productor Joxe Portela quien llevaba años dando vueltas con el guionista Joanes Urkixo la posibilidad de hacer una película sobre el tema. Me gustó e interesó la idea de rodar un thriller político sobre un tema que supuso una conmoción en la sociedad al descubrirse qué pasó con los dos jóvenes. Durante un año pudimos trabajar con el sumario como guía para que el guionista montase el puzzle tan complejo al que nos enfrentábamos. Para mí como cineasta tener un material tan sensible como éste era un reto apasionante. Carlos Marques-Marcet: "No esperaba que el público reaccionara tan positivamente a mi película"16/5/2014 Escrito por: Pablo Plaza Cinesperados: Hola Carlos, gracias por atendernos y permitir que Cinesperados entre en tu casa por unos minutos. 10.000 km., un film de amor sobre una pareja que tiene que distanciarse por temas laborales y donde la lejanía pondrá de manifiesto la solidez de una relación difícil de llevar en estas circunstancias. No sé si has vivido algo así, porque la forma de narrarlo es tan real y tan verídica que quizás sea por experiencia personal. ¿En qué te basas para contar esta historia?
Carlos Marques-Marcet: He bebido de muchas fuentes. Por una parte, la experiencia personal, gente cercana que ha tenido que vivir una historia de amor a distancia, por Skype. Pero por otra parte reconozco que hay una película italiana de los años 60 que me encanta, llamada I fidanzati donde él debe irse a trabajar al sur de Italia y recuerda a su amada que está en el norte del país. A mitad de película se envían cartas y todo acaba en una escena en una cabina telefónica, donde ninguno de los dos se entiende, se oye mal, y así acaba, un final abierto pero que dice mucho de lo que sienten los personajes, acabando por no entenderse debido a esa distancia. Me interesaba mucho transmitir el sentimiento de esa última escena, esa imposibilidad de comunicarte con tu amado por la distancia, aunque haya tecnología de por medio. Pero también otros aspectos han influido: la directora de fotografía, quien ha vivido el dormir con el portátil conectado con Skype “junto a su pareja”; o Clara, la coguionista, que tuvo que irse a estudiar fuera por una beca justo escribiendo el guión de esta película. Lucy Mulloy: "Cualquier cosa que ruedes en el contexto de Cuba tiene implicaciones políticas"8/4/2014 Escrito por: Pablo Plaza Lucy Mulloy, ganadora del premio a mejor directora en el Tribeca Film Festival, y siendo apadrinada por el mismísimo Spike Lee por su última película, acepta la invitación de Cinesperados para ser una de los personajes de este mes para nuestra web. Se estrena Una noche, un film rodado en Cuba sobre tres jóvenes que intentan huir de la isla en una barcaza casera y así alcanzar tierras estadounidenses. Hablamos con ella de su largometraje, del debate que genera el tema de su film y del futuro de esta joven y prometedora artista.
Cinesperados: Una noche se estrena al fin en España. Un film sobre el sueño de un joven cubano de escapar de la isla para llegar a Estados Unidos. ¿Cómo relata Mulloy esta historia? ¿Qué quieres contar en tu película? Lucy Mulloy: Estoy muy contenta de que Una noche se estrene en España. Creo que el público español percibirá de otra manera la película, podrá captar los chistes y los juegos con el lenguaje. Desde el primer día me quedé atrapada por La Habana, por la energía de esta ciudad. Sentí que quería capturar todo aquello, una ciudad potente y visualmente cautivadora. La película está basada en hechos reales: un joven del barrio de Malecon me contó esta historia de como tres amigos suyos abandonaron la isla en una barca. No pude quitarme esa historia de la cabeza. Toda la gente que conocí sabía de personas que habían conseguido o al menos intentado salir de Cuba. Una noche está inspirada en ese deseo de huida, de conseguir un sueño aunque haya que poner tu vida en juego. La gente quería asistir a una película sobre historias que les representen y que no son posibles ver en Cuba. Por esto hice Una noche. C.: ¿Tienes con Una noche la intención de hacer una película política? Ya sabes que un tema así genera un debate incuestionable sobre las libertades de Cuba. L. M.: Mi principal intención con Una noche es contar una historia sobre tres jóvenes, sobre sus emociones y sus relaciones. Pienso que cualquier cosa que hagas en el contexto de Cuba tiene implicaciones políticas por la naturaleza de la situación en el país. Mi intención era reflejar lo que estaba viendo en mi estancia allá. La película está basada en una historia real, sin actores, hogares reales, localizaciones existentes. Una noche es el reflejo del mundo en el que me sumergí cuando fui a La Habana. Escrito por: Pablo Plaza Cinesperados: Jimmy P. está basada en el libro de George Devereux, un psicoanalista de mitad del siglo XX que se interesó por los Indios de América. Dinos, ¿qué ha tomado de su obra para hacer la película? ¿Qué hay de verdad en su historia?
Arnaud Desplechin: El libro de Georges Devereux es un ensayo bastante elaborado de etnopsicoanálisis. La parte central del libro, que es lo que más me ha apasionado, está formada completamente por escenas de psicoanálisis: diálogos entre Jimmy y Georges, ¡desde su primer encuentro hasta su despedida! Esto lo convierte en un documento único en la historia del psicoanálisis. He querido hacer una lectura novelesca de este libro que tanto me apasiona, descubrir la novela que se encuentra ahí, escondida en este ensayo científico. Todo es verdad en la película. He respetado la totalidad del libro. Sólo me he permitido añadir el personaje de Madeleine, inspirado en los innumerables amores de Georges Devereux. C.: Una película sobre psicoanálisis es un reto arriesgado. ¿Por qué ha decidido hacer un film sobre esta temática? A. D.: La película empiezo a construirla en los años en que soñaba transformar el diálogo del libro en imágenes cinematográficas. El psicoanálisis me apasiona desde siempre, y he querido transmitir todo aquello que puede haber en el simple encuentro entre "dos hombres de buena voluntad". Creo que no hay un tema más cinematográfico que aquel inmerso en el interior de uno mismo, un viaje que Jimmy acepta hacer. Escrito por: Pablo Plaza Dentro de siete días llega a nuestros cines la segunda película del director andaluz Antonio Hens, La partida, un film que combina homosexualidad y fútbol dentro del contexto social cubano. El director, quien ya realizó un cortometraje en el año 2000, En malas compañías, con temática homosexual, atiende a Cinesperados y nos cuenta en qué consiste su último trabajo, su intencionalidad, su experiencia en la industria cubana y su opinión acerca de la difícil situación de la industria cinematográfica española. Director de Clandestinos (2007), Antonio Hens demuestra ser un hombre atrevido, con las ideas muy claras y dispuesto a abrirse hueco poco a poco en un panorama artístico de tan difícil acceso (y éxito). Y más si su cine, tan alejado de temas triviales y de fácil digestión, busca la reflexión y el pensamiento crítico de un espectador poco acostumbrado a este tipo de mensaje. Cinesperados: Llega a los cines tu segundo largometraje, La Partida, un drama donde la prostitución y el fútbol son los temas protagonistas de esta película. Cuéntanos, cómo se desarrolla la vida de los personajes de tu película, todo esto dentro de un ambiente social muy actual.
Antonio Hens: Pues se desarrolla entre la desidia por la vida, la falta de ambiciones y la búsqueda de dinero fácil, en uno de los personajes; y la búsqueda de si mismo y de un punto de partida para comenzar una nueva vida, en el otro personaje. Son personajes de ficción que se identifican totalmente con personas de la realidad, son fácilmente reconocibles por los integrantes de la sociedad cubana que creo que lleva con ese "ambiente" unos cuantos años. C.: Supongo que te has encontrado a la hora de escribir el guión con una paradoja que sucede en la realidad, combinando la homosexualidad con el fútbol. ¿Hay alguna intención de romper estos clichés sociales? A. H.: Si la historia de la película sucediese en España, tal vez habría que buscar la homosexualidad en el fútbol para encontrar una de las zonas donde aún pervive la homofobia, o donde la homosexualidad es todavía un tabú, que son partes de la misma cosa. Sin embargo, en La Partida el fútbol se convierte en un elemento: igual que los personajes buscan una afectividad diferente a la que tradicionalmente se les ha inculcado, los jóvenes cubanos abrazan este nuevo deporte extraño en un país donde el deporte mayoritario es la "pelota", es decir, el béisbol. Además, un jugador de fútbol allí tiene que inventar su propia carrera, pues el fútbol está naciendo, igual que Reinier y Yosvani, que siendo chicos de barrio, pertenecientes a estratos muy desestructurados, quieren romper con sus propias tradiciones y comenzar una relación insólita juntos. En La Partida fútbol y homosexualidad son reflejos de un mismo espíritu. |
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